Como Disney Lorcana adapta estilos de animação para as cartas

Parece simples: pegar um personagem da Disney, criar uma ilustração bonita e colocá-la em uma carta. Mas pensando no Mickey Mouse, Malévola, Stitch e Sr. Incrível você percebe o tamanho do desafio. Cada um nasceu em uma época, foi produzido com uma técnica diferente e segue regras visuais próprias.

Mesmo assim, todos conseguem dividir a mesma mesa em Disney Lorcana sem parecer que vieram de jogos diferentes.

O segredo não está em transformar todo mundo no mesmo tipo de desenho. Está justamente em preservar aquilo que torna cada personagem reconhecível e, depois, adaptar essa identidade para a linguagem das cartas e para o universo de Lorcana.

Uma carta precisa contar tudo de uma vez

Em um filme, temos tempo para conhecer um personagem. Sua personalidade aparece na forma como ele anda, fala, olha para os outros ou reage a uma situação. Às vezes, um pequeno gesto já explica quem ele é.

Uma carta não tem esse tempo.

Toda essa personalidade precisa caber ali na ilustração. A pose deve sugerir movimento, a expressão precisa deixar clara a intenção e o cenário deve ajudar a contar a história sem roubar a atenção. Tudo isso enquanto a imagem ainda divide espaço com nome, custo, atributos, habilidades e demais informações do jogo.

Por isso, não basta acertar o formato do rosto ou reproduzir as cores da roupa.

Em entrevistas oficiais, artistas de Disney Lorcana já mostraram que o trabalho começa com o estudo da animação original. Cristian Romero explicou que assiste a trechos dos filmes, desenha expressões e estuda as formas gerais dos personagens antes de criar novas poses. Brittney Hackett também disse que procura entender por que cada personagem se movimenta e reage de determinada maneira.

Isso faz diferença porque as cartas não deveriam parecer apenas “reproduções”. Elas precisam mostrar cenas novas que ainda tenham a personalidade da obra original.

É por isso que um personagem pode aparecer usando outra roupa, ocupando uma função completamente diferente ou vivendo uma aventura inédita e, ainda assim, continuar imediatamente reconhecível.

O jogo tem uma identidade, mas não apaga as outras

Para reunir tantas épocas da Disney, Disney Lorcana usa uma linguagem visual “intermediária”. A própria direção de arte já definiu a base do jogo como “Modern Storybook”, algo que poderíamos traduzir como um estilo moderno de livro ilustrado.

Na prática, as cartas preservam aquela sensação de fantasia e narrativa dos livros de histórias, mas usam recursos atuais de iluminação, profundidade, cor e composição.

Ao falar sobre as cartas Enchanted de Fabled, o diretor criativo Matthew Eng explicou que a coleção retomou esse estilo, semelhante ao que havia sido apresentado em The First Chapter. Nessas versões especiais, pose, ação e iluminação são usadas para tornar a imagem ainda mais dramática.

A partir daí, cada carta acaba misturando três identidades.

Existe o estilo do filme original, existe a direção visual da coleção e existe aquilo que funciona dentro do pequeno espaço de uma carta. O resultado precisa equilibrar as três coisas sem deixar que uma delas engula as outras.

Cada época traz um desafio diferente

Os primeiros longas da Disney foram construídos com uma aparência muito próxima à dos livros ilustrados europeus. Nas histórias da Branca de Neve e os Sete Anões e Pinóquio, a gente via cenários suaves, pinturas que faziam a gente se sentir dentro da obra e uma sensação bastante artesanal.

Quando esses personagens chegam ao TCG, não é necessário simular uma película antiga ou copiar todas as imperfeições da animação em células. O mais importante é manter a delicadeza das formas, o clima de conto de fadas e o uso emocional das cores.

Já 101 Dálmatas pede uma solução completamente diferente.

O filme adotou personagens mais angulares, cenários gráficos e linhas bastante visíveis. Parte dessa identidade veio do uso do processo de Xerox, que permitia transferir os desenhos dos animadores diretamente para as células. Segundo o Walt Disney Archives, a técnica preservou a energia dos traços originais e ajudou a criar o visual moderno da produção.

Nas cartas, essa herança pode aparecer no contraste entre preto, branco e vermelho, no ritmo das manchas dos cães e nas silhuetas mais alongadas. Mesmo quando a ilustração recebe um acabamento digital, Pongo, Perdita e os filhotes ainda precisam carregar aquela energia quase rabiscada do filme.

A Bela Adormecida segue outro caminho. Seus cenários são geométricos, verticais e extremamente detalhados, com referências a tapeçarias, manuscritos medievais e pinturas anteriores ao Renascimento.

O trabalho de Eyvind Earle foi tão importante para o filme que a produção foi pensada como uma espécie de “ilustração em movimento”. A própria D23 detalha essa construção visual e como ela transformou o longa em uma das obras mais diferentes da história do estúdio.

Essa influência também chegou diretamente ao TCG. Nas cartas Enchanted de Archazia’s Island, a diretora de arte Anna Stosik revelou que a equipe buscou inspiração nas ilustrações em guache e no trabalho de Eyvind Earle.

O mais interessante é que o estilo não ficou limitado aos personagens de A Bela Adormecida. Ele também foi aplicado a cartas ligadas a outras histórias, como The Glass Slipper e The Return of Hercules.

É aí que Disney Lorcana começa a fazer algo além de adaptar filmes. O jogo mistura referências de diferentes períodos da Disney e imagina como um personagem de uma produção ficaria dentro da linguagem artística de outra.

Em Lilo & Stitch, a identidade passa pelas formas arredondadas criadas por Chris Sanders, pelo contraste entre a vida no Havaí e a ficção científica e pelos fundos em aquarela.

A própria Disney lembra que o filme de 2002 utilizou fundos em aquarela ao longo de toda a produção, retomando uma técnica que o estúdio não usava daquela maneira desde os anos 1940.

Para adaptar esse universo, não basta colocar Stitch em uma praia. A ilustração precisa preservar sua construção compacta, suas expressões exageradas e seu jeito de se movimentar como uma mistura de brinquedo e lagarto. Cartas como Lilo – Making a Wish e Stitch – Rock Star funcionam justamente porque continuam transmitindo humor, afeto e caos, mesmo fora das cenas do filme.

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E quando o personagem nasceu em 3D?

A chegada das histórias da Pixar trouxe um novo tipo de desafio.

Personagens criados originalmente em computação gráfica dependem bastante de volume, textura, materiais e iluminação. Woody precisa transmitir a sensação de tecido, plástico e couro. Sr. Incrível tem proporções que comunicam força antes mesmo de ele se mover. Mei, de Red: Crescer é uma Fera, combina volume tridimensional com expressões exageradas e referências visuais próximas do que são os animes por exemplo.

Ao transformar esses personagens em ilustrações, o objetivo não é simplesmente reproduzir um frame renderizado do filme. O artista precisa escolher quais volumes são realmente importantes, quais texturas podem ser simplificadas e como a iluminação pode funcionar no tamanho de uma carta.

Wilds Unknown foi a primeira coleção a trazer histórias da Pixar para Disney Lorcana. A direção de arte explicou que essa integração envolveu artistas, diretores de arte e a equipe responsável pela construção visual do mundo.

Para que personagens vindos de filmes tão diferentes parecessem parte da mesma coleção, foram criadas regras para paletas de cores, luminosidade, cenários e elementos recorrentes.

É assim que cartas como Mr. Incredible – Bob Parr, Meilin Lee – Losing Control e Hamm – Piggy Bank conseguem preservar as características de suas produções enquanto participam da mesma aventura.

O personagem continua pertencendo ao seu filme. O cenário, a luz e a atmosfera mostram que ele agora está em Lorcana.

Storyborn, Dreamborn e Floodborn aumentam a liberdade

A existência de diferentes tipos de glimmers ajuda o jogo a justificar visualmente suas releituras.

Os Storyborn são versões mais próximas das histórias conhecidas. Eles podem aparecer em uma nova pose ou em um momento que não vimos nos filmes, mas costumam preservar figurino, comportamento e contexto do personagem.

Os Dreamborn permitem brincar um pouco mais. Mickey pode assumir uma função diferente, Pooh pode virar um mago do mel e personagens conhecidos podem aparecer como inventores, guerreiros, exploradores ou estrategistas.

Nesse caso, roupas, acessórios e cenários mudam, mas a personalidade precisa continuar ali.

Os Floodborn permitem transformações ainda maiores. Tinker Bell – Giant Fairy altera completamente a escala da personagem. Cinderella – Stouthearted transforma a princesa em uma combatente. Hades – King of Olympus imagina o vilão ocupando uma posição de poder diferente daquela vista no filme.

Quanto maior a mudança, mais importantes se tornam os elementos básicos do design.

O cabelo de fogo e o rosto alongado de Hades, o coque e as asas de Tinker Bell ou a elegância dos movimentos de Cinderella funcionam como pontos de reconhecimento. O jogador pode nunca ter visto aquela versão, mas ainda precisa saber imediatamente quem está na carta.

Essa é a diferença entre uma boa releitura e um personagem apenas usando uma fantasia diferente. A transformação precisa começar pela personalidade, e não pela roupa.

A raridade também muda o visual

As cartas Enchanted e Iconic mostram que a raridade pode interferir bastante na arte sem mudar o funcionamento da carta durante a partida.

As versões Enchanted utilizam artes alternativas, composições mais abertas e tratamentos especiais. Como não existe vantagem mecânica sobre a carta regular, a direção de arte ganha liberdade para experimentar com técnicas que talvez fossem intensas demais para uma coleção inteira.

Em Archazia’s Island, as Enchanted ficaram mais próximos do guache e da geometria. Em Fabled, houve um retorno ao “Modern Storybook”. Em Wilds Unknown, a equipe escolheu uma abordagem orgânica, e nos elementos naturais presentes na coleção.

As cartas Iconic seguem outra proposta. A ideia não é apenas criar uma cena mais elaborada, mas representar a memória que o público tem daquele personagem.

Mickey Mouse – Steamboat Pilot, por exemplo, carrega não apenas a identidade de Mickey, mas também uma fase específica da história da animação.

A Disney100 Edition reforçou essa ligação ao apresentar artes alternativas produzidas por animadores do Walt Disney Animation Studios. Nesse caso, a carta não está apenas adaptando uma animação.

A verdade, é que o equilíbrio não pode se perder

Olhando para a nossa visão, de quem tem visto o jogo de perto, há pelo menos 10 meses, desde que a COPAG trouxe o jogo para o Brasil, um dos maiores acertos de Disney Lorcana está em entender que fidelidade da Disney não significa deixar os personagens parados no tempo.

Apenas reproduzir cenas dos filmes seria tranquilo, mas transformaria o jogo em um álbum de imagens conhecidas e bonitas. As “melhores cartas” são aquelas que mostram algo novo e ainda permitem reconhecer o personagem pela silhueta, pelo gesto ou pela expressão do personagem até.

A gente vê que o cuidado necessário daqui para frente será de impedir que o estilo de uma coleção se torne tão forte a ponto de apagar a identidade das obras que ela pretende homenagear.

Uma coleção que também conta a história da animação

Quando colocamos essas cartas dentro de um mesmo fichário, encontramos uma pequena viagem pela história da animação Disney.

Temos a aparência artesanal dos primeiros contos de fadas, a geometria de A Bela Adormecida, as linhas de 101 Dálmatas, as aquarelas de Lilo & Stitch e os volumes da animação em computação gráfica.

Mas Disney Lorcana TCG não trata essas referências como peças intocáveis de um museu. O jogo mistura, reorganiza e atualiza tudo isso. Um personagem clássico pode entrar em um cenário novo, receber outro figurino ou aparecer em uma arte inspirada por um período completamente diferente.

A melhor adaptação acontece quando a carta parece nova sem se tornar genérica. Ela pertence ao universo de Lorcana, mas ainda respeita a história original. E, quando o trabalho realmente funciona, o jogador reconhece o personagem antes mesmo de ler o nome.

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